Las vanguardias musicales del siglo XX

A finales del siglo XIX, el Impresionismo musical, con Claude Debussy, busca crear atmósferas y colores sonoros más que melodías claras. Usa la escala de tonos enteros, acordes que no resuelven como en la armonía tradicional y timbres delicados. Una obra clave es el Preludio a la siesta de un fauno (1894).

El Expresionismo refleja la angustia y el mundo interior. Arnold Schoenberg abandona la tonalidad: es la atonalidad, en la que ninguna nota funciona como centro. Hacia los años veinte crea el dodecafonismo, que organiza los doce sonidos de la escala cromática en una serie que no repite ninguno hasta haberlos usado todos. En 1913, La consagración de la primavera de Ígor Stravinski escandaliza al público de París por sus ritmos irregulares y su fuerza primitiva.

Tras la Segunda Guerra Mundial aparecen nuevas vías. En la música concreta (Pierre Schaeffer, 1948) se graban y manipulan sonidos reales, como trenes o puertas. En la música electrónica (Karlheinz Stockhausen) el sonido se genera con aparatos electrónicos. En la música aleatoria, el azar o la decisión de los intérpretes intervienen en la obra; John Cage llegó a componer 4′33″ (1952), en la que el intérprete no toca y la obra son los sonidos del entorno.

En los años sesenta y setenta surge el minimalismo (Steve Reich, Philip Glass), basado en la repetición de patrones breves que cambian muy poco a poco. Muchos compositores usan grafías no convencionales: partituras con dibujos, líneas y símbolos nuevos para representar sonidos que la notación tradicional no puede escribir.

En España, Manuel de Falla une tradición popular y modernidad (El amor brujo, El sombrero de tres picos) y Joaquín Rodrigo compone el Concierto de Aranjuez (1939). A partir de los años cincuenta, la Generación del 51, con Cristóbal Halffter o Luis de Pablo, incorpora las vanguardias europeas.